Conoce a Agarwen Umarth y prepara tus pinceles, ¡querrás usarlos!

Por Sofía Sánchez Verduzco.

Hace unas semanas asistí al Matsuri, Festival Japón de Verano CDMX 2017 que organizó Expo Japan MX en la Asociación México Japonesa, donde tuve el placer de entrevistar al artista Agarwen Umarth, quien busca fusionar dos mundos diferentes con las pinceladas de su particular estilo, del cual en poco tiempo, emergerá un nuevo mundo del cual muchos querrán formar parte.

Visitamos a Agarwen Umarth al stand que tenía con algunas de sus ilustraciones, playeras y productos de su marca para realizarle la siguiente entrevista.

Reconoce MX: ¿Cómo nació el estilo que tienes?

Agarwen Umarth: Pues mira, el estilo japonés lo abracé sin darme cuenta. No llegué nunca ni por anime ni por manga, mas bien llegué por películas como de samuráis y artes marciales, y empecé a tener una fijación hacia la cultura asiática inconscientemente. Entonces estéticamente empecé a jalar hacia lo que es el sumi-e y el shodō. Mi estilo empezó a imitar el estilo japonés, después pues como obviamente no somos japoneses no hacemos manga, hacemos imitaciones de manga; lo que hice fue realmente imitar y después la imitación llevó mi trabajo a un trabajo asiático. Yo era escultor, dejé la escultura y fui a lo que es la ilustración, en donde se hizo el estilo japonés mucho más marcado.

RCMX: Siento que tu arte es algo tradicional, no sé como lo describirías, pero aún así también es muy contemporáneo. ¿No te gustaría retratar parte de la mitología japonesa a tu estilo? ¿Te lo has planteado?

AU: Yo no hago nada digital, todo lo que hago es acuarela, tinta china. Soy muy de la escuela tradicional, cuando pones el pincel ya no hay error, ya no puedes regresar, todo lo que ves en mi stand es así, todo es cuadro real y hecho a mano. Justamente lo que busco es una unión entre lo que es lo contemporáneo y lo que es lo tradicional, y traerlo para un público contemporáneo. Sí he intentado retratar algunas mitologías, por ejemplo Fūjin y Raijin, he pintado todo lo que es Inari, a Amaterasu, pero siempre buscando esa línea. Además mi estilo ahora no es ni sumi-e ni shodō, lo que he agarrado lo pinto con pinceladas o muy fuertes o muy sutiles, busco mucho dinamismo.

RCMX: ¿Quiénes fueron tu escuela? ¿En quienes te basas?

AU: Mis mayores influencias son Okazu (cuyo estilo es el sumi-e), ¡es un demonio, es un dios! En pincel busco mucho el estilo de Kim Jung Gi, Super Ani en YouTube, un grande coreano. Me gusta mucho el trabajo de Range Muestra, Ryusuke Nakamura, Henri de Tolousse Lautrec, Masamune Shirow. Siempre mi estilo está muy influenciado por esos artistas, aunque por la parte plástica me gusta mucho el estilo de Auguste Rodin, Golfriend Helwing (hiperrealismo). Lo que hago es que veo lo que me gusta y me apaño de algo, siempre voy agarrando algo: «¡Ah me gusta como hace los ojos, me gusta cómo hace tal!». Tomo esos elementos, los junto y entonces hago una «quimera» con ellos.

RCMX: Yo hago algo parecido pero con la caligrafía, por ejemplo, si veo una «g» que me gusta, cuando escribo empiezo a hacerla igual.

AU: ¡Eso habla mucho de tu personalidad, eh!

RCMX: Pues de la nuestra, ¿no?

AU: (Risas). Sí.

RCMX: Pero dime, ¿cuando empiezas una pintura, ya sabes lo que quieres transmitir? ¿O vas dibujando hasta que tu proyecto cobre vida y termine diciendote algo nuevo?

AU: Cuando voy a dibujar sé lo que quiero transmitir pero no cómo se va a ver. Sí sé qué quiero transmitir emocionalmente, pero no sé visualmente qué es lo que necesite; por ejemplo yo estoy trabajando, siempre empiezo con el personaje, el personaje para mí es el todo. Entonces el chico la chica, el demonio, el samurái, tiene una pose, ya tengo la pose trabajada y me pregunto: ¿Qué me está pidiendo? ¡Ah bueno me está pidiendo flores, me está pidiendo peces! Entonces empiezo a armar una composición a partir de lo que va pidiendo el cuadro. Lo que me rige siempre es un sentimiento; lo que no sigo es el trazo, el trazo es libre.

RCMX: ¿Escuchas música cuando pintas? ¿Qué escuchas?

AU: Cuando pinto escucho a Miyavi, un soundtrack que se llama «Hero» de Shigeru Umebashi. Yo tengo que tener mucho ruido cuando trabajo, es curioso. Entonces en casa tengo un estanque, así que tengo el sonido del agua, pongo música, la televisión, cosas que no tienen nada que ver entre sí. No los veo pero los escucho, pongo «Cómo conocí a tu madre», es la repetición como 1000, y pongo música; así tengo ruido por todos lados. Muy pocas veces puedo trabajar en silencio. La obra me abraza tanto que el silencio me da ansiedad a veces. La obra me dice mucho.

RCMX: ¿Desde cuándo trabajas con tanto ruido?

AU: ¡Desde siempre! Lo que pasa es que yo tengo insomnio, al día duermo 3 ó 4 horas, yo no puedo dormir en silencio, entonces prendo la tele para escuchar algo y ya después me duermo. Y de ahí empecé a ganar esa manía de tener ruído.

RCMX: Veo que usas muchas máscaras, sobre todo máscaras Hannya y Kitsune. ¿Pones las máscaras por algo o solo porque encajan con la composición?

AU: La simbología de la máscara te dice que la máscara es quien termina por tomar la fuerza de la persona que la está portando. Si yo me pongo una máscara dejo de ser yo mismo y me convierto en la máscara. El Hannya es un demonio de perdón y de odio. Si es un Hannya rojo tiene coraje, si es blanco es un demonio que está en la transición al perdón; uno negro busca venganza. El Kitsune es quien ayuda al dios zorro, a Inari. Kitsune me gusta mucho estéticamente pero además porque en Kioto estuve en Fushimi Inari-taisha, entonces me enamoré del templo del dios zorro. Lo pongo mucho en honor a Inari, para mí es muy importante. Soy como politeísta, creo en todo, Ganesh, Odín, quien quieras. El Hannya lo tomo por esa fuerza, en occidente lo tomarían como un demonio y creo que eso es lo que quiero denotar, que en occidente puede tener un significado negativo, muy diferente a Japón, donde ni siquiera tiene esa connotación.

 

RCMX: Lo que he leído de Hannya, es es una mujer muy celosa, que termina morfándose y convirtiéndose en Hannya.

AU: ¡Sí! Por eso los cuernos de la Hannya.

RCMX: Oye, en el salón principal estabas comentando que diseñas tatuajes, ¿te has diseñado alguno?

AU: Sólo uno que acomodé para mi mano, es un kanji de «universo». Pero en realidad  no me he diseñado nada a mí mismo.

RCMX: ¿Te cuesta trabajo cumplir con las expectativas de quienes buscan un diseño tuyo?

AU: No, tengo un sistema muy bueno para diseñar tatuajes, sin ser pedante, mi sistema es muy bueno. Cuando tengo un cliente para un tatuaje hago un estudio muy pesado. ¿Qué quieres? ¿Cómo te lo quieres poner? Te estudio psicológicamente, cómo hablas, cómo te sientas, y defino: «¡Ah, quiere algo así!». Me dicen: «quiero un dragón». ¿En qué parte?, pregunto y voy construyendo su perfil. «¡Ah, ella es penosa!». «¡Él tiene un carácter fuerte!». Su tatuaje va a ser fuerte o va a ser sutil, y hago las pinceladas de acuerdo a lo que me está pidiendo el cliente mental y visualmente. Entonces hasta ahorita en lo que llevo de trabajar en este ámbito nunca me han regresado un diseño, no he tenido problemas con ningún cliente y siempre me recomiendan.

RCMX: ¿Cuándo empezaste a diseñar tatuajes?

AU: Hace 5 años, por accidente. Entré a DeviantArt donde publicaba mis dibujos, y la gente me decía que se había tatuado mi diseño. Y yo impresionado: «¡No, eso no era para tatuarse, está horrible!». Pero no porque fuera mi diseño, sino porque debía de haber más. Y me pasó con chicos de Nueva Zelanda, Australia, que ya traían mis diseños y me pedían que les hiciera el otro brazo, y yo accedía y se los emparejaba padre. De ahí empecé a experimentar, y como dibujante empecé a entender cómo se trabajaba con los músculos. Mi obra es muy erótica, son féminas desnudas con los torsos desnudos, y empecé a pensar que era aburrido, y me di cuenta de que tenía un lienzo para dibujar dentro del diseño principal. Y empecé a meter tatuajes en mis diseños. Y de acuerdo a la posición fui introduciendo los tatuajes, si la espalda está en cierta posición el tatuaje tiene que tener cierto corte. Entonces empecé a hacer diseños para mis dibujos, llamé la atención de clientes y me hice fama de diseñador de tatuajes. Empecé con amigos, subía los diseños a internet y la gente los compraba. Al final estaban en Pinterest, Tumblr, y en páginas de tatuajes que se encabezaban como «Mejores tatuajes de tigres», «Los mejores diseños mundiales de Hannyas», y yo reaccionaba como: «¡Wow, los mejores 10, qué loco!». Nunca me enteraba por mí porque no suelo meterme mucho a sitios así, me llegaba la noticia o me decían que habían hecho un reportaje de mi trabajo. Entonces empezó a hacerse más conocida la marca o el nombre para los diseños, y de ahí empecé a jalar a un público. Hace poco me llegó un cliente de la India, me dijo: «Oye vine para verte, quiero un diseño tuyo y me voy el próximo mes, ¿cómo podríamos trabajar para el brazo o el cuerpo?». Algo curioso es que mis clientes me piden japonés tradicional, es raro porque yo no aprendí a hacerlos, pero lo he trabajado.

RCMX: ¡Ah, no sé si has visto un programa de tatuadores, donde siempre tienen problemas con japonés tradicional! ¿Tu haces los diseños de este estilo?

AU: Sí, yo empiezo con el diseño desde cero. Y para tatuar un koi primero hice casi mil kois. Veía un koi y pintaba la cabeza una, dos, tres, cuatro veces. Me fijaba en las escamas y las dibujaba. Después de pintarlos tantas veces lo memorizas y ya lo puedes modificar. Entonces mi estilo «japonés» no es completamente japonés, es muy acercado al estilo irezumi porque lo estudié bastante y está muy de la mano con el japonés.

RCMX: Entonces es un ínter entre ambos estilos y que ha gustado bastante.

AU: Sí, y ha gustado tanto porque también lo ven occidentalizado, me dicen: «tu estilo es como japonés, pero no es japonés».

RCMX: Oye, y por ejemplo, en el manga se sigue una historia, ¿tienes algún personaje recurrente, alguno de quien hayas hecho una historia o que digas quiero dibujarlo otra vez?

AU: Sí, pero jamás seguí las historias. Antes dibujaba mucho a un chico con una máscara de Hannya, lo dibujé como en ocho cuadros. Y también dibujaba mucho a una chica que era mi crush y ella también es dibujante, y me decía a mí mismo: «¡Oh, que lo vea y que me diga que sí!». Pero de ahí en fuera no dibujo nada que sea repetitivo, siempre busco algo que sea diferente. Ahorita lo que estoy dibujando es una serie de cuadros yuri, como lésbicos eróticos pero muy cuidados también, y son dos personajes iguales. La tirada es hacer 8 cuadros iguales que sea la relación lésbica con máscara de kitsune pero muy estética, se percibe la acción sin que se vea absolutamente nada. Y eso fue porque unos clientes de la comunidad LGBT de Chicago querían unos cuadros y de ahí empezó. Pero casi nunca repito porque me aburriría un poco, tengo ideas en la cabeza y es material que da para algún cuadro pero nunca doy el siguiente paso.

RCMX: ¿Cuánto tiempo te puede llevar hacer un cuadro?

AU: De media hora, una hora. El que realicé en la exhibición que fue grande y en vertical, si fuera en tiempo normal lo haría en hora y media. Y lo que más he tardado fueron 2 ó 3 meses, un cuadro gigantesco, entero de ilustración de un kimono, una locura.

RCMX: ¡Suena a muchísimos detalles!

AU: Sí, pero por ejemplo, los que están en el stand me llevan de uno a dos días. Excepto los de tinta china que son de una hora a dos.

RCMX: Bueno pues no te robo más el tiempo, ya se nos va a caer el cielo (amenazaba la lluvia). ¡Muchísimas gracias por la entrevista, suerte!

AU: ¡Gracias!

¿La curiosidad te ha picado? Ahora pica tú en las siguientes redes (DeviantArt y Facebook), donde podrás encontrar la obra de Agarwen Umarth y colgarte de sus pinceladas. Pero he de decirte que tras ver su arte querrás ponerte a pintar. Lo único que te puedo decir es que no te frenes y tomes tus pinceles, crayones, pasteles, acuarelas, acrílicos, lo que más te plazca. Es momento de ponerse a crear, hacer arte y de que empieces con tu nuevo estilo; la inspiración está aquí, aprovéchala.

Foto de portada: Marian Wolf.
Imágenes tomadas del Facebook del artista.